La década de los diez fue una de las mejores para el cine mexicano, tan solo el año 2019 nos dejó propuestas maravillosas como El Complot Mongol - 82%, ¿Conoces a Tomás? - 88% o Asfixia - 90%. Pero así como hubo creatividad y arriesgue en las propuestas, los números para la producción incrementaron, por ejemplo, en 2018 se produjeron 184 largometrajes, ocho más con respecto al año anterior, lo cual respaldó el crecimiento que venía mostrando el cine mexicano en los últimos cuatro años, y superando el récord histórico impuesto en 1958, año que contabilizó 135 producciones. Los datos de 2019 todavía no están disponibles.
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Los números fueron favorables, pero ¿qué hubo de la creatividad e innovación? Ya adelantamos en las líneas anteriores que el año que terminó dejó largometrajes ampliamente aclamados, sin embargo, no todo fue bueno, la comedia romántica siguió siendo la reina de la taquilla y el género que nos entregó las historias más decepcionantes, pero de estas películas no hablaremos, al menos no en este espacio que dedicaremos a las mejores producciones mexicanas de los últimos diez años. Haremos un repaso por aquellas que recibieron la aclamación de la crítica y, en muchos casos, también del público.
Algunos de los largometrajes que nos sorprendieron fueron Las Elegidas - 85%, Los Adioses - 
82%, La Región Salvaje - 82%, Somos lo que hay - 72% (que hasta tuvo un remake en Estados Unidos) y Te prometo anarquía - 80%, pero tenemos una lista de más de quince títulos que marcaron una reinvención importante. Sin más, vayamos a ellas.
Rigoberto Pérezcano encabeza la primera de las cuatro películas con calificación perfecta de esta lista. Con un protagonista muxe, Carmín Tropical dio nuevos aires al género noir, uno que, por cierto, es de los menos explorados en la época actual en nuestro cine. Una muy acertada construcción de personajes y buenas actuaciones, la historia cuenta el regreso de Mabel a su pueblo natal para encontrar al asesino de su amiga Daniela. En su reseña para Letras Libres, Fernanda Solórzano detalló:
Como una fotografía que se revela en un cuarto oscuro, la segunda película de Rigoberto Perezcano no termina de revelarse nunca: las zonas oscuras, los misterios sin resolver, son deliberados en esta historia de cine negro ubicada en el trópico.
Calificado como un documental necesario por muchos críticos y líderes de opinión del país, Hasta los Dientes relata el indignante caso de dos estudiantes de excelencia del Tecnológico de Monterrey acribillados por militares al ser supuestamente confundidos por dos sicarios que iban armados “hasta los dientes”. Consiguiendo una calificación perfecta en nuestro ranking por la forma en la que hila el relato a través de una profunda investigación sin perder su vocación cinemática y su impacto social, este documental es una de las mejores producciones que pudimos ver en la década. En su reseña para En Filme, Luis Fernando Galván señaló:
…con un rigor asombroso y sin perder la brújula de su intención primordial, el director se centra en la investigación de los hechos…
Los Insólitos Peces Gato - 100%
Un relato autobiográfico de la directora Claudia Sainte-Luce mueve esta emotiva película sobre el dolor por la pérdida y la familia por elección. Claudia, una joven callada y meditabunda, trabaja en un supermercado como promotora de salchichas. Por no saber lidiar con esta insostenible soledad, termina en la sala de urgencias de un hospital público, con un severo caso de apendicitis. Es ahí donde conoce a Martha, una mujer que se encuentra hospitalizada en la cama de al lado. Martha, quien vive acompañada por sus hijos, poco a poco se gana la confianza de Claudia. El curioso equilibrio de esta familia logra que Claudia establezca una relación de amistad con Martha, lazo que poco a poco se va estrechando. Uno de los relatos más espontáneos de la década y el crítico Inkoo Kang reflexionó en su reseña para Los Ángeles Times lo siguiente:
La escritora y directora Claudia Sainte-Luce se anuncia a sí misma como un nuevo talento para ver con Los insólitos Peces Gatos, un debut excepcional de tremendo corazón y apelación.
Dirigida por Issa López, Vuelven hace una metáfora sobre las desapariciones en México a través de un cuento oscuro que no tiene reparos para hablar de temas complejos del país como los asesinatos y el narcotráfico, además, de que presenta una muy buena dirección de actores para un elenco, en su mayoría, infantil. La historia de Estrella, una niña de 10 años que está acostumbrada a la violencia que el país vive día a día. Sin embargo, su mundo da un giro cuando su madre desaparece; en desesperación, la chica gasta uno de los tres deseos que le fueron regalados para traer de vuelta a su mamá. Pero como hablamos de una historia de terror, el deseo se cumple pero con terribles consecuencias, pues Estrella es ahora perseguida por el espíritu de su madre. En su reseña para Cine Premiere, Mabel Salinas opinó:
El nuevo proyecto de la directora Issa López es una historia cruda, socialmente realista y actual pero con giros fantásticos y aterradores que inmediatamente recuerdan a las películas de Guillermo del Toro...
Fue una de las mejores películas a nivel internacional y la primera que le ha otorgado a México el León de Oro del Festival de Venecia. La emotiva carta de amor a la fortaleza femenina que ha elaborado Alfonso Cuarón también es una de las mejores películas mexicanas de la última década. Cleo (Yalitza Aparicio) y Adela (Nancy García García) son dos muchachas de ascendencia indígena que, durante la década de los 70, trabajan para una familia de clase media en la colonia Roma de la capital mexicana. Desde allí, ambas, afrontarán de la mejor manera posible un periodo marcado hacia afuera por los cambios políticos y sociales del país, adentro por los problemas domésticos de la familia para el cual trabajan. En su reseña para Globe and Mail, Barry Hertz señaló:
…una proeza majestuosa del cine, un retrato íntimo de una failia que también sirve como un retrato amplio de una nación cambiante. Cuarón crea un mundo tan vibrante que exige ser visto en el lienzo más grande posible.
Dirigida y escrita por Federico Cecchetti , El sueño del Mara’akame narra la historia de Nieri, un joven huichol cuyo sueño es viajar con su banda musical a tocar en un concierto en la gran Ciudad de México, pero su padre, un Mara’akame (chamán huichol), tiene otros planes para él, pues debe seguir su tradición y encontrar al venado azul en sus sueños, para así poder aprender a sanar y convertirse en un Mara’akame. Nieri viaja a la gran ciudad donde al estar completamente perdido encontrará su visión. Siendo una de las películas más sorprendentes en el cine mexicano, El Sueño del Mara'akame convenció a los críticos con su deslumbrante narrativa, sus personajes y una mirada imaginativa a la comunidad huichol; película mágica que evita el tono etnográfico. En su reseña para La Jornada, Ana Mónica Rodríguez afirmó:
Cecchetti traslada al espectador a un viaje que oscila entre lo real y lo irreal, de los sueños a lo fantástico…
Alejándose de su estilo intimista, pero no por ello menos personal, el director Hari Sama hace un repaso a su adolescencia a través del personaje de Carlos (Xabiani Ponce de León), cuya monotonía termina cuando es introducido a “El Azteca”, un club nocturno que le descubre la vida underground y la libertad sexual. La película fue estrena en el Festival de Cine de Sundance, donde formó parte de la competencia internacional y, desde entonces, fue amada por la crítica. En su reseña para Milenio, Fernando Zamora escribió:
Hacía falta una película como esta, pues lo único que el cine mexicano tenía de aquella juventud que vivió su adolesencia entre 1986 y 1996 eran películas tan mediocres como La primera noche.
Los hoteles jamás se sintieron tan amenazantes como lo expone Sebastian Hofmann en su segundo largometraje. La historia sigue a un par de hombres opuestos que unirán fuerzas para salvar a sus familias de la trampa de los tiempos compartidos y el falso descanso de los resorts. Protagonizada por Luis Gerardo Méndez, la cinta se alzó con el premio al mejor guión en el Festival de Cine de Sundance y ha recibido la aprobación de la crítica por su ingeniosa crítica social y su depurada propuesta cinematográfica. En su reseña para Cine Premiere, Arturo Magaña detalló:
…esta película demuestra dos cosas que no debemos olvidar: Por un lado, que no hay nada más peligroso que dejarnos llevar por la obsesio´n de querer tener una perfecta. Y por otro, que en México hay historias, talentos y, sobre todo, las ganas de hacer un cine diferente e inteligente que merece ser visto por su público.
¿Qué fue de aquellas vedettes que representaron con exotismo la belleza de los cabarets mexicanos de los setenta y ochenta? Esta pregunta es respondida con la ópera prima de Maria Jose Cuevas: Bellas de Noche. Componiendo una narración de viva voz de las cuatro protagonistas, ilustrando con fragmentos de sus años mozos, el documental rinde un homenaje a una época perdida de México. En su reseña para Cine Vértigo, Ernesto Diezmartínez analizó:
Una notable crónica documental sobre la glamorosa vida pasada y la difícil vida presente de cinco de las vedettes más famosas de los 70/80.
Sombra y Santos viven afincados en un apartamento al que hace tiempo ya le cortaron la luz por no pagar la renta. Reciben la visita del hermano menor de Sombra, Tomás, enviado por su madre porque ya no se soportan. La llegada del chico cambia las cosas y deciden todos emprender un viaje para rendir homenaje a un músico mítico que oía el padre de Sombra y Tomás, que nadie conoce, y que según ellos pudo haber salvado al rock mexicano. Dirigida por Alonso Ruizpalacios, se trató de una ópera prima refrescante y una mirada revitalizadora a la juventud nacional. En su reseña para Empire, Anaid Ramírez afirmó:
Güeros se convirtió en un clásico de la reciente década. Fue como darle un abrazo honesto a la ciudad. Como recorrerla con tu mejor camarada.
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Basado en un hecho real de la historia de México, esta película llamó la atención desde un año antes de su estreno comercial al ser la película más nominada y más ganadora de la edición 2017 de los premios Ariel. La película ambientada en la Ciudad de México en 1979, durante el gobierno de López Portillo, sigue a Zambrano (Adrian Ladron), un joven delincuente que llega a la Penitenciaría de Santa Martha con la esperanza de unirse a Los Perros de Santa Martha, el equipo de fútbol americano del lugar. Este equipo es también conocido como La 4ª Compañía, un escuadrón de la muerte al servicio de las autoridades de la cárcel, de la cual salen para robar carros de lujo y asaltar bancos, todo coordinado por El Negro. Zambrano pierde su inocencia en una ruta paralela: elevarse en el ámbito de los deportes y más profundo en el crimen como miembro de La 4ª Compañía. En su comentarios para Sin Embargo, Rosalina Piñera, señaló los logros de esta producción aclamada por la crítica:
Cada secuencia despliega diversos canales de información para un ejercicio de inmersión que aprisiona por su ritmo y realismo…
Ganadora del Festival de Morelia en 2018, La Camarista es una película que reflexiona sobre la vida de aquellas personas solitarias que trabajan en hoteles de lujo a través de Eve, una camarista que trabaja extensas jornadas en uno de los hoteles más lujosos de la Ciudad de México, lo que le impide cuidar a su hijo. Los expertos aclamaron la ópera prima de Lila Avilés, calificándolo como un estudio de personaje en una película que habla de las desigualdades económicas y sociales en México. Además, elogiaron la actuación de Gabriela Cartol. En su reseña para Cine sin Fronteras, René Sánchez aseguró:
Una íntima reflexión sobre el costo, los sacrificios y el dolor que conlleva la lucha por avanzar un peldaño más en la escala social.
Una milenaria lengua indígena agoniza: sus dos últimos hablantes Evaristo e Isauro se pelearon cincuenta años atrás y desde entonces no se dirigen la palabra. Martín, un joven lingüista asumirá el reto de reunir a los dos viejos para convencerlos de hablarse una vez más y obtener un registro grabado de la lengua. Pero oculto en el pasado, en las entrañas de la jungla, yace un secreto escondido por el idioma que hace difícil creer que el corazón del zikril vuelva a latir. Dirigid por Ernesto Contreras, la película destacó entre los especialistas por su sutileza y por la sensibilidad en la que los hermanos Contreras han desarrollado una de las historias de amor y amistad más emotivas de la gran pantalla. El crítico de Variety, Peter Debruge, dijo de la película:
Un poético filme mexicano que presenta preguntas filosóficas acerca de lo que se pierde cuando un lenguaje - y por extensión la memoria de nuestros ancestros – desaparece.
El documental de Tatiana Huezo sigue a dos mujeres víctimas de violencia y de la impunidad en México. Miriam, encarcelada injustamente por el delito de tráfico de personas, y Adela, trabajadora de un circo ambulante, cuentan su historia a través de un viaje. Estremecedor y conmovedora, en su reseña para El Universal, Alonso Díaz de la Vega explicó:
El efecto de ‘Tempestad’, entonces, no es meramente cosmético. No estamos ante un documental que se aproveche de sus historias para imponer su belleza.
La adaptación de la novela homónima de Guadalupe Loaeza fue aclamada por los críticos desde su estreno en el Festival de Cine de Morelia 2018. La película gira en torno a Sofia (Ilse Salas) y un grupo de mujeres que viven los devenires del clasismo, las buenas costumbres y las crisis económicas. En su reseña para Tomatazos, José María Lomelí Pérez afirmó:
Cabe destacar el trabajo actoral de Ilse Salas en su construcción de Sofia, cuyos silencios y miradas, a lo largo del filme, logran transmitir tanto como sus parlamentos...
Basada en un hecho real, el segundo largometraje de Alonso Ruizpalacios inició su camino triunfal desde que tuvo su primera exposición en la Berlinale de 2018 donde ganó el premio al mejor guión. Protagonizada por Gael García Bernal y Leonardo Ortizgris, la cinta cuenta las circunstancias que rodearon el llamado robo del siglo en el Museo Nacional de Antropología e Historia en la Ciudad de México en 1985. Por su narración ingeniosa, una propuesta enérgica y audaz, interpretaciones complejas y un detallado trabajo de ambientación, la película continúo con su éxito al llegar a las pantallas de cine del país. En su reseña para Cocalecas, Ruben Peralta Rigaud escribió:
…una película que sabe cómo escenificar el evento principal de manera llamativa, pero también sabe cómo ponderar todo, desde el control de los artefactos históricos hasta los vínculos de la amistas y las relaciones padre-hijo.
Julio Hernández Cordón habló sobre el tema de la violencia contra la mujer y el narcotráfico en esta historia, un oscuro cuento de hadas en clave de ciencia ficción ubicada en un México post apocalíptico donde se han superado los niveles de violencia y las mujeres son las principales víctimas. Estas circunstancias obligan a Huck, una niña, a vestirse de manera extraña y utilizar una máscara con la que tratará ocultar su género, mientras ayuda a su padre, un adicto atormentado, a cuidar de un campo de beisbol abandonado donde juegan traficantes de drogas. En su reseña para Micropsia, Diego Lerer expuso:
Hernández Cordón no es un cineasta convencional y ‘Cómprame un revólver’ no sigue casi ningún patrón conocido. Coquetea, es cierto, con ese cine tan al gusto europeo…
La deslumbrante ópera prima de Diego Quemada-Diez nos llevó a la travesía de tres adolescentes latinoamericanos cuyo objetivo es migrar a los Estados Unidos. Juntos vivirán la terrible experiencia que padecen millones de personas, obligadas por las circunstancias a emprender un viaje lleno de peligros y con un final incierto. En el camino aflora la amistad, la solidaridad, el miedo, la injusticia, el dolor. En su reseña para La Vanguardia, Jordi Batlle Caminal subrayó:
Excelente película, refractaria al sentimentalismo, pero muy humana. un retrato social crudo y veraz interpretado por jóvenes actores que destilan naturalidad.
Durante las fiestas del Bicentenario de la Independencia, Benjamín García es expulsado de los Estados Unidos y regresa a su pueblo, donde encuentra un panorama desolador provocado por la violencia y la crisis económica. Para salvar a su familia de la miseria, se involucra en el tráfico de drogas. Luis Estrada entrega esta sátira de cáustico humor negro sobre el mundo de la droga, la crisis económica, la corrupción y la violencia. En su reseña para La Nación, Fernando López apuntó:
Un film de mafia a la mexicana, con ciertos toques de Tarantino, infinita violencia, mucho humor negro y un ritmo que Estrada sostiene firme de punta a punta.
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