Estamos a horas de despedir el 2021, sin duda, un año de reencuentros en todos los niveles; y con varias actividades de esparcimiento reactivadas, las personas regresaron poco a poco a las salas de cine. Es cierto, los números no son alentadores, pero casi en las últimas semanas del año llegó la esperanza de la mano de nuestro(s) amigable(s) vecino(s): Spider-Man: Sin Camino A Casa - 
92%. Con el que era uno de los blockbusters más anticipados, el 2021 por fin fue el momento para disfrutar de estrenos aplazados a causa de los cierres de los teatros durante la pandemia. Y como ocurre todos los años, gozamos de propuestas muy diversas, de hecho, fue el año en el que el musical regresó con fuerza a la gran pantalla (hablando de reencuentros), más de tres largometrajes en un año es para prestar atención.
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No todo fue bueno, pero de eso no hablaremos, aún no es el momento, estamos aquí para hablar de aquellas producciones que estrenaron en México a lo largo de los últimos doce meses y se convirtieron en las más memorables, las más redondas, las más emocionantes, las más nostálgicas… es decir, en las mejores. Y hablando de nostalgia, tuvimos mucha nostalgia por el pasado, aunque la que más nos sorprendió fue Ghostbusters: El legado - 88% y por ese emotivo homenaje a Harold Ramis merece estar en esta lista.
Como podrán observar, hay algunas películas que estuvieron en los conteos del año pasado de publicaciones extranjeras, hemos incluido algunos de estos largometrajes porque tuvieron su estreno apenas este año en nuestro país. Sin más, estas son las mejores películas de 2021 según la crítica.
La titánica hazaña de Steven Spielberg de tomar uno de los clásicos musicales por excelencia del siglo pasado y darle un remake que realmente valga la pena y termine siendo una producción aplaudida en todo sentido no es algo que se vea todos los días. En esta nueva versión del legendario musical 'West Side Story' Dos adolescentes de diferentes raíces étnicas se enamoran en la ciudad de Nueva York de los años 50. El staff de Qiibo comenta:
West Side Story es una de las mejores películas del año, una de las mejores producciones de Spielberg en los últimos 10 años, y una experiencia perfecta para disfrutar en pantalla grande, gozando la música, deleitándose con los bailes, y envolviéndose en el drama de este barrio de mil emociones...
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El sueño americano es un concepto que Hollywood ha explorado desde distintas perspectivas, el logro de Minari - 100% es que se hace a través de una experiencia personal y verídica con su director. Lo cual convierte este proyecto en algo muy personal, retratando las dificultades económicas, familiares, sociales, de salud y el proceso de adaptación. David, un niño coreano-americano de 7 años, ve cómo a mediados de los años 80 su vida cambia, de la noche a la mañana, cuando su padre decide mudarse junto a toda su familia a una zona rural de Arkansas para abrir allí una granja, con el propósito de lograr alcanzar el sueño americano. Nathaniel R de The Film Experience califica:
El guionista / director Lee Isaac Chung ha elaborado una imagen maravillosa y concisa de sus propios recuerdos de la infancia...
Ganadora del Óscar a mejor película, mejor actriz y mejor directora en la 93.ª edición de los premios de la Academia, esta historia cautivó a la crítica y la audiencia por mostrar un reflejo que cientos de personas viven a diario en distintas partes del planeta ocasionada por el capitalismo. Nomadland - 100% habla sobre Ferm, una mujer que después de perderlo todo durante la recesión, se embarca en un viaje hacia el Oeste americano viviendo como una nómada en una caravana. Tras el colapso económico que afectó también a su ciudad en la zona rural de Nevada, Fern toma su camioneta y se pone en camino para explorar una vida fuera de la sociedad convencional como nómada moderna. En su reseña para Micropsia, Diego Lerer comenta:
...una crónica de un viaje con una serie de encuentros (y reencuentros) en el camino, una exploración acerca de los sacrificios, de la soledad, pero también las libertades de quienes deciden vivir on the road...
Jane Campion dirige a Benedict Cumberbatch en uno de sus personajes más íntimos, dentro de un western cuya atmósfera de tensión y suspenso aumenta progresivamente. Basada en la novela del mismo nombre de 1967, escrita por Thomas Savage, y que cuenta la historia de los hermanos Phil (Cumberbatch) y George Burbank (Jesse Plemons), propietarios ambos del rancho más grande del valle de Montana. Radicalmente distintos uno del otro, Phil es culto, sagaz, cruel y brillante, en tanto que George: silencioso, amable y quisquilloso. Los problemas entre ambos comenzarán tras el inesperado matrimonio de George con una joven viuda, interpretada por Kirsten Dunst, a la cual lleva a vivir al rancho. Hecho que desatará una guerra implacable de Phil para destruir a la esposa de su hermano, así como al hijo que la acompaña. Al respecto de ella Brenda Medel escribió en Cine PREMIERE:
… la interpretación de Benedict Cumberbatch se corona como el gran atractivo de la cinta gracias a un personaje con muchos matices y enraizado en una desagradable naturaleza humana.
Una mordaz exploración de la vida adulta en una película aderezada con un provocativo sentido del humor, así como la matizada actuación de Mads Mikkelsen en completa consonancia con la historia. Centrada en cuatro profesores que se embarcan en un curioso experimento sociológico basado en mantener la misma tasa de alcohol en sus cuerpos a lo largo de su vida diaria, esto tiene como objetivo la idealizada pretensión de demostrar una mejora en los diversos aspectos de su vida, pero cuyas consecuencias les cambiarán definitivamente. Sobre esta cinta Bruno Calabrese, de Sólo fui al cine, subrayó:
Una ronda más es una tragicomedia polémica, transgresora y alegre sobre el alcoholismo social y el hedonismo de clase burguesa, pero a la vez es una profunda reflexión sobre la amistad, la familia y la pérdida del espíritu juvenil.
Spider-Man: Sin Camino A Casa - 92%
Una cinta en que la nostalgia juega un papel importante tanto para el desarrollo de su protagonista como para el placer de los fans. Con un Tom Holland en la faceta más dramática de su interpretación del trepamuros. Película en la que por primera vez Spider-Man es desenmascarado ante la sociedad, provocando que su vida privada y la superheróica converjan en un mismo punto. Situación de la que intenta escapar pidiendo ayuda a Doctor Strange, pero cuyas consecuencias sólo van en aumento, llevándolo al punto de descubrir el verdadero significado de ser Spider-Man. Marco Antúnez resalta para Tomatazos:
… épica, clásica y la más ambiciosa película del Hombre Araña hasta ahora (…) se vuelve un instrumento analítico del mito del Hombre Araña. Reconfigura nuestra manera de entender su sacrificio, inscribirlo al UCM, ya no subordinado, sino como lo que es: un héroe trágico…
La más reciente cinta del director Leos Carax resultó ser única y arriesgada para los críticos. Gracias a la excelente combinación de música y estilo que utilizó Carax para confeccionar un filme épico que rebosa excentricidad y teatralidad. La cinta sorprendió por la calidad y la flexibilidad de sus actores protagonistas, Adam Driver y Marion Cotillard, quienes se embarcan en la historia de un cómico (Driver), que tiene que enfrentarse a la realidad de cuidar a su hija de dos años tras el fallecimiento de su esposa, una cantante de ópera (Cotillard). Pero pronto él se da cuenta de que su pequeña tiene un don muy especial. El crítico, Diego Lerer, señaló en su crítica para Micropsia:
La historia es muy básica pero lo que la rodea está lejos de serlo. De a poco, la película va tomando un carácter cada vez más operístico.
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Este es el sólido debut en la dirección de la actriz Emerald Fennell, quien consiguió capturar la atención de la crítica tras presentar este filme que combina una trama perturbadora con humor negro para confrontar la normalización hacia la violencia sexual contra las mujeres. Es una obra maestra feminista que conlleva a la reflexión a través de momentos brillantes de humor, drama, contundentes actuaciones y un soundrack pop. El guion también por Fenell, se centra en Casey (Carey Mulligan), una mujer que uego de vivir un evento traumático durante su vida universitaria pasa sus fines en bares haciéndole creer a hombres que está muy alcoholizada. Cuando cada uno de ellos se la lleva a casa y comienza a ser inapropiado, ella les da una lección que jamás olvidarán. Eso es hasta que el pasado la hace redirigir sus esfuerzos para buscar justicia a su propia manera. En su reseña para EnFilme, Luis Fernando Galván escribió:
Emerald Fennell recupera algunos tropos de la tendencia “rape & revenge” (violación y venganza), un subgénero del cine de terror y acción que se desarrolló a partir de la década de 1970 en Estados Unidos y posteriormente en Francia, que básicamente estructura la narrativa en tres actos (violencia, supervivencia-rehabilitación de la víctima y venganza) para lanzar alegorías contundentes sobre los cambios históricos, culturales y sociales de la posmodernidad. Incluso, el subgénero se difundió en un período de luchas feministas y del Movimiento de Liberación de las Mujeres.
Con Titane, su segundo largometraje, Julia Ducournau se convirtió en la segunda mujer en ganar la Palma de Oro en la historia del Festival de Cannes. La crítica se refirió a ella como una producción llena de violencia y horror corporal que se asemeja al cine de David Cronenberg. Además del estilo tan marcado y provocativo del filme, Ducournau aprovecha su extraordinario talento para realizar un análisis de la identidad frente a la sociedad a través de imágenes perturbadoras e impactantes. Esta cinta protagonizada por por Agathe Rousselle, Vincent Lindon y Garance Marillier, sigue la historia de un joven con la cara magullada que es descubierto en un aeropuerto. Él asegura llamarse Adrien Legrand, un niño que desapareció hace 10 años. Para su padre, Vincent, esto supone el final de una larga pesadilla y lo lleva a casa. Simultáneamente, suceden una serie de horribles asesinatos en la región. Para Eje Central, Alejandro Alemán, opinó:
Una historia de amor, de aquel que acepta al otro tal cual es y no como uno quiera que fuera. Un relato de amor encerrado en una de las películas más viscerales, delirantes y arriesgadas que verán en el año.
La nostalgia pocas veces ha sido tan electrizante como en Ghostbusters: El legado, una película que no tuvo problema en llevar una de las franquicias ochenteras más queridas a nuevos horizontes con una mezcla fina de lo clásico y lo nuevo: una historia refrescante que introduce un puñado de personajes entrañables, hace gala de una gran química entre sus actores y cuenta con un par de sorpresas bajo la manga que los fans empedernidos agradecerán. Sin dudas, una secuela hecha con mucho amor y respeto al material original. Este nuevo capítulo dirigido por Jason Reitman sigue las desventuras de una madre soltera y sus dos hijos después de su llegada a un pequeño pueblo, lo que prometía ser un nuevo comienzo tomará un rumbo espeluznante al descubrir su conexión con los Ghostbusters originales y el legado secreto del cuál forman parte. En su reseña para La Nación, Paula Vázquez Prieto escribió:
Jason Reitman aprovecha la nostalgia disponible y deja a todos contentos. Una aventura adolescente, simpática y entretenida, que combina el coming of age, la mitología sumeria y un andamiaje de guiños al pasado que empujan alguna lágrima.
El homenaje de Wes Anderson a las columnas de The New Yorker es un espectáculo visual y narrativo que realiza observaciones ingeniosas a temas como el elitismo en el mundo del arte, la vida citadina, los movimientos estudiantiles y la forma de hacer periodismo. Este mosaico de historias nos mantiene inmersos con su impecable manejo del humor, actuaciones deslumbrantes, una banda sonora evocadora y la estética característica del director texano. Es una de las obras más ambiciosas del cineasta y también la más accesible de su filmografía hasta la fecha. La sinopsis oficial la describe así: Una carta de amor al mundo del periodismo, ambientada en la redacción de un periódico estadounidense en una ciudad francesa ficticia del siglo XX, con tres historias interconectadas entre sí. Eric Kohn de IndieWire afirma:
…es una explosión entrañable y liberada de la estética andersoniana que no siempre se cohesiona en un paquete satisfactorio, pero que nunca se ralentiza como para perder su fascinante atractivo y que siempre conserva su propósito.
Duna de Denis Villeneuve consiguió lo imposible en 2021: ser una adaptación cinemtográfica tan compleja y embriagante como la obra literaria concebida por Frank Herbert . Darle vida a este universo cósmico era un reto considerable, su mitología es tan vasta que omitir algún pasaje la volvería confusa, pero también no hacerlo extendería el metraje a los terrenos de lo tedioso. Sin embargo, la cinta corre los riesgos necesarios y lo que obtenemos a cambio es una experiencia envolvente con efectos especiales deslumbrantes que se ve elevada por un elenco siempre convincente. Es ciencia ficción en su estado más puro. La historia nos transporta a Arrakis, el planeta del desierto, ahora propieda de la Casa de los Atreides después de que el emperador ceda la explotación de las reservas de especia, una de las materias primas más valiosas de la galaxia y también una droga capaz de amplificar la conciencia y extender la vida. El duque Leto (Oscar Isaac), la dama Jessica (Rebecca Ferguson) y el hijo de ambos, Paul Atreides (Timothée Chalamet), llegan al planeta con la esperanza de recuperar el renombre de su casa, pero pronto se verán envueltos en una trama de traiciones y engaños que les llevarán a cuestionar su confianza entre sus más allegados. Scott Collura de IGN comentó:
Esta es una película técnicamente brillante y visualmente asombrosa con un elenco de primer nivel y profundos conceptos de ciencia ficción.
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